블랙 아이드 피스는 'Elepunk' 앨범에 윌아이엠(Will.I.Am)이 어린 시절부터 존경했던 세르지오 멘데스(Sergio Mendes)를 세션으로 참여시킨다. 이 앨범에 수록된 'Sexy' 에서의 인연을 계기로 윌아이엠은 이번에는 세르지오 멘데스의 제안을 받아들여 그의 음악을 비롯한 브라질의 고전을 새롭게 재조명하는데, 그렇게 탄생한 것이 지금 소개할 'Timeless'라는 앨범이다. 

'Timeless' 는 표면적으로는 세르지오 멘데스의 밴드인 'Brasil 66' 탄생 40주년 기념 프로젝트이자 윌 아이엠 주도하에 이루어진 보사노바/MPB(Musica Popular Brasileira)와 랩 뮤직의 퓨전이지만, 동시에 보기 드물 정도로 대중적인 월드뮤직 앨범이기도 하다. 굳이 설명하자면 덜 이질적이고 듣기 쉬운 라운지 음악이라고 보면 되겠다. 이 앨범은 정말 신나고 귀에 거슬리지 않으며 감상하기에 편한 것이 사실이다.

 

‘Timeless’ 의 특징은 무엇보다도 전성기인 'Brasil 66' 시절뿐 아니라, 60년대 이후에도 지금까지 왕성하게 활동해온 세르지오 멘데스의 히트곡을 비롯한 그가 좋아하는 곡들을 윌아이앰의 프로듀싱으로 듣는 것이겠다. 물론 'Mas Que Nada'를 제외한 세르지오 멘데스의 대부분의 히트곡이 빠진 것이 의외이긴 하지만 역시 유명한 기존의 보사노바를 비롯한 MPB 음악들을 멋지게 재해석한 것에 더 큰 의미가 있다고 할 수 있다.
 
그리고 이름만 들어도 입이 떡 벌어지는 아티스트들의 참여는 흑인 음악에 관심있는 팬들은 물론 일반인들도 별 거리낌없이 'Timeless' 로 끌어들일만한 가장 큰 이유다. 프로듀싱을 맡은 윌아이앰의 블랙 아이드 피스는 물론 존 레전드, 에리카 바두, 저스틴 팀버레이크, 질 스캇, 인디아 아리, ATCQ(A Tribe Called Quest)의 큐팁, 루츠의 블랙 쏘트, 쥬라식 5의 찰리투나 그리고 스티비 원더 등등. 이 앨범이 아니고서는 쉽게 한자리에 모일 수 없는 유명 뮤지션들이 함께했다.
 

이 앨범은 기존 곡의 재해석에 가장 큰 의미가 있다고 해야겠지만 리메이크가 아닌 노래들도 여럿 포함되어 있다. 우선 존 레전드가 곡을 쓰고 직접 부른 'Please baby don't' 은 물론, 2000년대 들어 가장 많은 활동을 하고 있는 힙합 아티스트들인 윌아이엠, 찰리투나, 블랙쏘트가 참여한 'Yes, Yes Y'All'과 저스틴 팀버레이크와 파로아 먼치의 'Loose Ends', 그리고 곡을 잘 쓰지 않는 세르지오 멘데스가 직접 작곡에 참여한 셀프 타이틀곡인 'Timeless' 등 멋진 신곡들도 빼곡히 수록되어 있다. 

그리고 따로 소개할만한 곡은 질 스캇과 윌아이앰의 'Let Me'와 스티비 원더가 참여하고 그라시냐 라포라세가 노래를 부른 'Berimbau/Consolacao' 이다. 이 두 곡은 모두 바덴 파웰의 곡이라는것이 공통점. 물론 가장 주목할만한 노래는 물론 앨범의 첫머리를 장식하고 있는 세르지오 멘데스 최고의 히트곡인 'Mas que nada'. 여러 CF에서 삽입되면서 국내에서도 굉장히 유명한 노래다.


사실 세르지오 멘데스는 훌륭한 피아니스트이자 뛰어난 뮤지션이지만, 어떻게 본다면 작곡 능력이 훌륭하지도 노래를 잘하지도 심지어 목소리가 멋지지도 않다. 하지만 그는 60년대부터 지금에 이르기까지 활동하는 내내 새로운 모습을 보여주며 놀라운 소화력으로 브라질 아티스트의 음악을 팝음악 시장에 소개하는 한편, 동시에 팝음악 역시 자신만의 방식으로 해석해내며 활동을 계속했고 현재는 라운지 음악의 시조(始祖)로 불리우고 있다. 그가 높게 평가받을 수 있는 것은 미국 팝시장에 브라질 음악을 소개하며 MPB 및 보사노바의 대중화를 선도했기 때문이다.

물론 이 앨범은 그의 대표작도 최고작도 아니다. 그렇지만 세르지오 멘데스의 이름을 다시 한번 음악팬들에게 각인시켰다는 점, 그리고 흑인음악을 좋아하는 사람들은 물론 어린 음악팬들에게도 월드뮤직을 소개했다는 것만으로도 큰 의미가 있을 것이다. 

하긴 명반이 별건가. 이 앨범은 괜찮은 라운지 음악임에 틀림없고 누구에게나 애써 소개할만한 이유가 충분하다. 물론 세르지오 멘데스가 내한을 했고 또 최근에 새 앨범까지 나온 마당에 지금 이 글은 대단한 뒷 북일런지도 모르겠다만.

이번 글에서는 계절과 관련된, 그 중에서도 특히9월과 관련된 곡들을 소개하려 합니다. 처음에는 얼스 윈드 앤 파이어의 ‘September’ 라는 곡을 듣다가 이 노래 말고도 9월과 관련된 다른 노래들이 상당히 많다는 사실을 알게 된 후 추천 곡들을 고르게 되었습니다. 사실, 그 어떤 달보다도 9월을 제목으로 한 노래가 유독 많죠.

아무튼 올해도 이미 2/3가 지나갔는데 여기 있는 7곡의 추천 곡을 들으며 잠시나마 바쁘게 달려왔던 올 한 해를 돌아 보고 계절과 관련된 음악도 들으시면서 남은 9월을 의미 있게 보내셨으면 합니다.

얼스 윈드 앤 파이어 (Earth, Wind & Fire) / September

 9월 하면 단박에 이 곡을 떠올릴 만큼 정말 유명한 곡입니다. 인트로의 그루브한 기타 리프가 상당히 매력적이죠. 매년 1월 1일에는 U2 의 New Years Day 또는 아바의 Happy New Year가 선곡되듯 아마 언제나 9월 1일에는 웬만한 라디오 프로의 첫 곡은 이들의 ‘September’ 가 차지할 것 같습니다.


스완 다이브(Swan Dive)/ Goodbye September

스완 다이브의 음악은 친숙한 것이 매력입니다. 비틀즈나 카펜터즈의 음악을 들을 때와 마찬가지로 상당히 쉬우면서도 듣기 편하죠. 하지만 이 노래는 스완 다이브 노래치곤 상당히 쓸쓸한 편에 속합니다. 이별을 주제로 하는데도 불구하고 푸른 하늘의 9월과 어울리는 것도 이상한 일이지만 독특한 매력이 있는 곡입니다.


미셸 페트루치아니 (Michel Petrucciani) / September second
 
골형성 부전증으로 인해 키가 1미터도 안되는 미셸 페트루치아니의 명곡 ‘September second’ 입니다. 마흔 살도 안된 나이에 세상을 떠났지만 살아 있는 동안 많은 이들에게 감동과 추억을 선사했죠. 아마 잘 모르시는 분이라면 그가 장애가 있다는 사실을 전혀 눈치 못 챌 정도로 미셸 페트루치아니는 정말 아름다운 피아노 연주를 들려줍니다. 저는 Trio in Tokyo 앨범의 라이브 버전을 가장 좋아합니다. 그의 매력을 흠뻑 느낄 수 있기 때문이죠.


이상은(Lee-Tzsche)/ September Rain Song

 이상은의 6번째 앨범 공무도하가에 실린 ‘September Rain Song’ 입니다. 그녀의 목소리에는 아나키스트적인 자유분방함과 공허함이 실려있지만 이상은은 그에 더해서 나이답지 않은 깊이까지 갖췄습니다. 아마 이상은의 팬이시라면 9월이 되면 이 노래를 듣기 위해 공무도하가 앨범을 꺼내시지 않을까 싶네요.


이루마 (Yiruma) / Septemberise

 이루마가 입대하기 전에 녹음해 놓은, 그의 다섯 번째 앨범에 수록된 ‘Septemberise’ 입니다. 이루마의 허밍이 곡의 분위기를 고조시키며 독특한 느낌을 경험하게 합니다. 일반적으로 음악가는 결혼을 통해 안정된 생활을 하면 좋은 음악을 쓰기 힘들다고 하는데 이루마는 그런 케이스에서 예외가 아닐까 싶습니다.


토키 아사코(Toki Asako)/ September
 

일본 시부야쪽에서는 상당한 인지도를 가진 토키 아사코의 ‘September’ 리메이크 입니다. 원곡인 얼스 윈드 앤 파이어의 노래와는 정 반대의 조용한 분위기가 인상적입니다. 토키 아사코의 일본인 특유의 약간 어색한 듯한 영어 발음이 오히려 매력적인 곡입니다.


팻 매쓰니 (Pat Metheny) / September Fifteenth

 
팻 매쓰니의 ‘September Fifteenth’라는 곡은 가을이 아니면 도저히 어울리지 않을 법한 음악이라고 할 수 있습니다. 이 노래는 팻 매쓰니의 음악 동료인 피아니스트 라일 메이스가 빌 에반스에게 바치는 곡이기도 합니다. ‘As Falls Wichita, So Falls Wichita Falls’ 앨범은 요즘 같은 가을 늦은 밤에 들으면 더 멋진 분위기를 연출 할 수 있습니다.

익히 알려진 사실대로 나스의 이번 앨범의 원래 제목은 'Nigger(검둥이: 흑인을 경멸적으로 지칭하는 단어)'였 다. 타이틀의 공개만으로도 논란의 중심으로 떠올랐고, 모두 이 껄끄러운 단어로 인하여 앨범이 채 공개되기도 전에 편이 갈렸다. 하지만 나스는 다시 앨범 타이틀을 [Untitled] 즉, '제목없음'으로 보란 듯이 바꾸며 차분하고 여유롭게 기다렸다. 그리고 지난 7월, 드디어 나스의 제목 없는 신작이 발표되었다.

앨범의 문을 여는 <Queens Get The Money>부터 예사롭지 않다. 영화 [아이 엠 샘]의 테마를 샘플로 사용한 이 노래는 아름다운 피아노 사운드 위에 거침없이 50센트를 디스(비방)하는 것으로 시작한다. 쿨 앤 드레와 더 게임이 프로듀스하기도 한 <Make The World Go Round>는 느긋한 멜로디 위에 나스와 더 게임의 찰진 래핑이 오가고, 크리스 브라운의 달짝지근한 보컬이 균형있게 조화를 이루고 있다.

앨범의 첫 싱글로 낙점된 <Hero>는 가장 최신식의 비트위에 박력 넘치는 나스의 랩과 재능있는 싱어 송라이터 케리 힐슨의 피처링으로 힘을 실어주고 있다. 단출한 구성의 멜로디지만 두근거리게 하는 박자감만으로 충분한 그루브감을 형성하고 있어 대중들의 많은 사랑을 받을만한 곡이다. 비장미 넘치는 <America>는 앨범 내 가장 음울한 사운드 위에 나스의 엄숙한 랩과 여성보컬의 흐느끼는 코러스가 돋보이는 곡으로 앨범 속 가장 사색(?)적인 트랙이기도 하다.

두 번째 싱글로 내정된 <Sly Fox>은 로킹한 베이스와 기타 연주위에 쉬지 않고 뇌까리는 그의 래핑이 세계 최고 수준임을 보여준다. 그 세찬 기세는 현재 가장 잘 나가는 래퍼들조차도 과히 주눅 들게 만들 실력이다. 가장 논란이 될 만한 곡으로 점쳐질 만한 <N.I.*.*.E.R>는 의외로 담담하다. 나스는 차분한 목소리로 매섭게 흑인 사회의 과거와 현재, 그리고 희망을 노래한다. 동양적인 인트로가 인상적인 <Untitled>은 오차없는 라임과 능수능란한 랩을 물 흐르듯이 쏟아낸다. 앨범 속 가장 경쾌한(?) 넘버 중의 하나인 <Fried Chicken>는 대중들에게 인기있는 DJ이자 뮤지션들에게 사랑받는 프로듀서인 마크 론슨이 프로듀스했다. 피아노, 색소폰, 트럼펫까지 갖춘 밴드 세트 구성을 보여주며, 펑키하지만 들뜨지 않는 사운드 위에 나스의 여유롭고 차분한 랩과 부스타 라임스의 선 굵은 피처링이 돋보이는 곡이다. 바로 이어지는 <Project Roach> 또한 블루지한 사운드의 짧지만 흥미로운 곡이다.


앨범은 전체적으로 소울펑크를 기반으로 한 사운드가 다양하게 응용, 변용되고 있고, 진지함이 잔뜩 흐르는 나스의 랩은 현재 많은 래퍼들의 가벼운 잡담과 같은 그것과 차원이 다르다. 그는 진지함을 고루하지 않게 표현해 내고 있으며 빼곡히 채운 15개의 플레이리스트가 끝날 동안 그는 잠시라도 청자의 주의를 다른 데로 돌리지 못하게 변화무쌍한 래핑을 선보이고 있다. 하지만 앨범 커버의 채찍질 당해 생긴 'N'이라는 의미심장한 단어가 연상되는 심기불편한 음반이기도 하다. 그렇지만 나스의 진정성이 담긴 이 앨범은 그가 힙합 신의 마에스트로로 추켜세워지는 것이 조금도 이상하지 않을 정도로 자신의 훌륭한 존재 가치를 입증하고 있다.

* 이미지/동영상 제공 : Universal Music Korea
 

8월 7일 발매된 1058번째 롤링 스톤지의 표지 모델은 현재 미국에서 가장 인기있는 보이밴드 조나스 브라더스였다. 화제의 인물만이 표지를 장식할 수 있는 잡지인 만큼, 그들은 현재 한나 몬타나의 마일리 사이어스와 함께 미국의 10대 소녀들의 거침없는 사랑과 지지의 중심에 서있다.

케빈과 조, 닉으로 이루어진 조나스 삼형제는 귀엽고 매력적인 외모와 10대답지 않은 능숙한 실력으로 미국 음악계에서 영향력을 행사하고 있다. 하지만 이들의 시작은 그리 평탄하지 않았다. 1992년생으로 밴드의 막내인 닉은 6살 때 엄마를 따라 미용원에 갔다 캐스팅되며, 브로드웨이의 [크리스마스 캐럴], [미녀와 야수], [레미제라블] 등에서 역할을 따내는 등 아역배우로서 훌륭한 커리어를 쌓는다. 그리고 2002년 [미녀와 야수] 공연 중 작곡한 <Joy To The World (A Christmas Prayer)>를 발표하여 어덜트 컨템포러리 차트에 오르는 등의 반향을 일으키며 2004년 메이저 레이블과 계약하고 셀프타이틀 데뷔앨범 [Nicholas Jonas]을 내놓는다.

하지만, 결과는 대참패였고, 닉은 형제들과 조나스 브라더스로 팀을 만들어 [It's About Time](2006)으로 재데뷔하지만 결과는 마찬가지였다. 레이블에서 쫓겨나다시피 하며 새로운 레이블에 간신히 안착하게 된 그들은 셀프타이틀 2집 [Jonas Brothers](2007)를 발표한다. 이 삼세번의 도전 끝에 이 앨범은 빌보드 앨범 차트 5위로 데뷔하는 것은 물론, 닉이 여자 친구를 위해 작곡한 첫 싱글 <Hold On>, 연인들이 다투는 내용의 가볍고 유쾌한 록 넘버 <S.O.S>, 달콤한 사랑노래 <When You Look Me In The Eyes>를 삼연속 히트시키기까지 한다.

늦장 발매되는 한국반 라이선스에는 보너스트랙 2곡까지 포함하여 총 16곡을 수록하고 있다. 다소 많은 트랙리스트를 구성하고 있는 것 같지만 자신들만의 감성을 잘 드러내고 있어 지루할 틈 없이 흘러간다. <Goodnight And Goodbye>는 쿵짝쿵짝대는 느낌이 꼭 우리나라의 전통가요 위에 경쾌한 록을 얹은 느낌의 곡으로 조나스들의 울부짖는 듯한 발성은 묘한 흥미를 불러일으킨다. 보이밴드만의 전매특허인 사랑스러운 발라드 넘버 <Hello Beautiful>은 연인에게 보내는 사연으로 소녀들의 마음을 뒤흔들기에 충분하다. 그들의 음악 스타일이 가장 잘 드러나는 <Still In Love With You>, 강력한 기타 사운드가 인상적인 <Inseparable>, 동시대를 사는 10대의 마음을 누구보다 잘 이해하고 있는 곡인 <Just Friends> 등 앨범은 조나스 삼형제의 어리지만 당돌한 재능이 유감없이 발휘되고 있다. 게다가 버스티드의 <Year 3000>를 조나스식으로 다시 풀어낸 커버곡, 마일리 사이러스와 함께 부른 그저 흥겨운 <We Got The Party> 또한 주목해야 할 것이다.


이 음반은 현재까지 꾸준한 상승ㅜ세를 이어오며 전 세계적으로 200만장 가까이 판매되었다. 무려 1년이나 늦은 우리나라에서의 첫 소개가 못내 아쉽긴 하지만, 곧 이들 삼형제가 주연하여 미국 전역 8백 90만 인구가 본 [캠프 락]까지 국내 상륙할 예정이라고 하니, 먼저 이 음반으로 맞이하고 그들을 기다리는 건 어떨까. 음악계뿐만 아니라 쇼 비즈니스 시장에서 최고의 환영을 받고 있는 조나스 브라더스지만 그들이 갈 길은 아직 한참 멀다. 하지만 그들은 누구보다도 성실하게 현재를 임하고 있으므로 단순한 반짝 스타에 그치지 않을 것은 물론 성장가능성도 매우 긍정적이다.

아마도 몇 년 뒤 남자 보이밴드 시장에서의 조나스 브라더스의 위치란 가히 상상하기 어려울지도 모르겠다.

* 이미지 제공 : Universal Music Korea

1990년대는 장르적으로는 얼터너티브와 정신적으로는 패배자 정서가 전체 음악 신(scene)을 지배했다. 그 흐름의 중심에는 너바나의 <Smells Like Teen Spirit>와 라디오헤드의 <Creep>, 그리고 벡의 <Loser>가 있었다. 너바나가 잔뜩 성난 음악으로 주류 음악의 판도를 얼터너티브로 바꾸며 전 세계 골방소년들의 손에 기타를 쥐게 했다면, 라디오헤드는 세기말 젊은이들의 시니컬한 감정을 음울하지만 낭만적으로 노래했다. 지금 소개하려는 벡은 이들과는 다르게 기발하고 엉뚱하지만 재미있는 패배자(loser)의 태도로 맞섰다.

벡은 다양한 장르의 믹스 앤 매치로 실험실의 음악을 했지만, 그것은 의외로 평단과 대중의 엄청난 호응을 일으키며 가장 성공한 패배자의 사례를 보여주었다. 바로 얼터너티브의 유행 속에서도 가장 독창적인 얼터너티브 음악을 선보였기 때문에 가능했다. 벡이 이렇게 영민할 수 있었던 데에 그의 남다른 태생과 관련이 있다. 벡의 외할아버지는 플럭서스 운동의 선구자였고 외할머니 역시 배우이자 시인, 그의 어머니는 앤디워홀과 관련이 있었으며 아버지 또한 뮤지션이었던 등 그의 주변을 둘러싼 많은 이가 대중문화예술과 직접적으로 관련되어 있었다. 어릴 적부터 다양한 문화를 흡수하며 자란 탓에 벡의 음악은 '잡종'이라고 불러도 좋을 만큼 많은 것들이 혼합되어 있다. 하지만 이것은 혼재나 혼란에 그치는 것이 아닌 창의적인 혼합과 승화로 발전시켰다.

그래서 실험적인 벡의 음악은 쉽고 가볍고 듣기 좋은 이지 리스닝용이 아니다. 하지만 7월 8일, 자신의 서른여덟 번째 생일을 기념(?)하여 발매한 이 10번째 정규앨범 [Modern Guilt]는 그의 올드팬은 물론 벡이 낯선 새로운 팬 모두를 만족시켜줄만한 앨범이다. 그렇지만 그의 신보에 날스 버클리의 데인저 마우스가 프로듀서로 내정되었다는 소식이 전해졌을 때, 사람들의 반응은 그리 낙관적이지 않았다. 과연 벡과의 공동 프로듀스로 어떤 앨범이 탄생될 것인가에 모두 기대 반 근심 반으로 가득했다. 둘 다 전방위 뮤지션이라는 점은 같지만 서로 달라도 너무도 달랐기 때문이다. 벡이 거울의 앞면이라면 데인저 마우스는 거울의 뒷면과 같은, 빛 혹은 어둠으로 배치되는 음악을 하고 있었기 때문이다. 하지만 이들은 꽤 만족할만한 콜라보레이션을 이루었다. 서로의 장점을 끌어 모았지만, 특유의 벡스러움은 잃지 않고 있기 때문이다.

그래서 예전의 <Loser>같은 파급력은 없지만, 멀게는 [Odelay](1996)부터 가까이는 [Sea Change](2002) 앨범과 비견될 만하다. 항상 실험적이고 난해했던 그의 디스코그래피의 연장선에 있으면서도 벡만의 냉소적이고 우울하지만, 가볍고 재치있는 터치 또한 여전하다. 35분도 채 되지 않는 짧은 러닝타임이지만, 있어야 할 것은 다 있는 또렷하고 분명한 앨범이다. 그래서 모자라거나 부족함이 없으며, 그렇다고 과장되거나 넘치지도 않는 중용을 보여주고 있다.

벡의 2년 만에 돌아온 이 신작은 일단 시작부터 반응이 좋다. 빌보드 앨범 차트 4위, UK차트 10위에 오르고, 올뮤직가이드, 롤링 스톤, 모조, 큐 등 많은 유력 음악 매체에서 별 4개 이상의 평가를 받아낼 정도로 작품적 평가 면에서도 점수가 후하다. 벡의 앨범은 늘 그렇듯이 한 번 듣고 파악하기 쉽지 않지만, 들으면 들을수록 새로운 진정성을 발견하게 되는 깊은 앨범이다. 그가 아직도 패배자의 마인드를 갖고 있는지 없는지 의심할 필요는 없다. 그는 1994년 <Loser>를 부르외치던 영특한 젊은이의 모습 그대로이기 때문이다.

* 이미지 제공 : Universal Music Korea

아일랜드 음악 신의 미래

사람들은 유독 아일랜드 출신의 밴드에게만 기대하는 것들이 있다. 유투의 주제의식, 코어스나 크랜베리스에게서 풍겼던 켈틱 록의 아름다움, 데미언 라이스나 영화 <원스>에서의 우울함 속의 서정성 같은 것들이다. 하지만 아일랜드 음악의 미래를 짊어질 밴드로 선택된 더 스크립트는 우리가 기대하는 것과는 다르다. 유투보다는 마룬 파이브가, 크랜베리스보다는 킨이, 데미언 라이스보다는 제이슨 므라즈가 더 연상되는 밴드다. 그렇다고 해서 그들의 음악이 주제의식이 없고 아름답지 않거나 서정성이 없다는 얘기가 아니다. 단지 그들의 음악 스타일이 아일랜드적(켈틱적)이기보단 MTV를 보며 성장하여 현재를 살아가는 전 세계의 젊은이들을 아우를 수 있는 글로벌한 스타일을 갖추고 있다.


더 스크립트는 더블린 출신의 세 청년으로 구성되어 있다. 대니 오'도나휴(보컬)와 마크 시한(기타)은 어린 시절 빈민가에서 만나 서로의 공통 관심사였던 흑인 음악에 대한 애정을 나누며 친구가 된다. 후에 그들은 미국으로 건너가 로드니 저킨스, 넵튠스, 테디 로드니와 같은 쟁쟁한 스타 프로듀서와 함께 일하게 된다. 하지만 그들은 다시 아일랜드로 돌아와 밴드를 결성하고 글렌 파워(드럼)를 밴드 멤버로 영입한다. 2007년 메이저 레이블과 계약한 후, 지난 4월 첫 싱글 <We Cry>를 발표한다. 우울하지만 중독성 강한 멜로디와 공감을 이끌어내는 가사로 자국 차트 상위권에 오르며 언론과 대중의 주목을 받으며 아일랜드 음악계의 신성으로 떠오른다. 그리고 지난 8월 8일, 더 스크립트는 드디어 자신들의 첫 번째 대본을 펼치게 된다. 셀프 타이틀 [The Script]로 아일랜드와 영국 차트 1위로 데뷔하며 성공적인 신고식을 치르는 것은 물론 전 세계 리스너들의 비상한 관심을 모으고 있다.

켈틱 소울을 바탕으로 한 서정성 짙은 록을 강점을 내세우고 있는 이들의 음악은 ―앞서 언급한 바와 같이― 제이슨 므라즈가 팀발랜드의 옷을 입고 마룬 파이브에 들어간 듯한 인상을 주고 있다. 제이슨 므라즈의 달달한 보컬과 음악스타일, 팀발랜드의 프로듀스, 마룬 파이브의 밴드 라인업을 상상케 하기 때문이다. 하지만 그들은 여기에 무력하지 않은 우울감과 유려하고 충만한 아름다움을 동시에 표출하고 있는 것은 물론 신인다운 풋풋한 미덕까지 고루 갖췄다.



그들의 두 번째 싱글로 낙점된 <The Man Who Can't Be Moved>는 드라마틱한 구성과 서사적인 가사로 자연스럽고 섬세한 더 스크립트만의 사운드를 잘 살리고 있다. <Before The Worst>는 제목그대로 최악의 상황이 되기 전에 시간을 되돌려야 한다는 이별상황 직전의 이야기로 대니의 랩에 가까운 빠른 읊조림과 멋지고 훌륭한 후렴구, 매력적인 드러밍과 피아노 연주가 근사한 넘버다. 앨범 속에서 가장 이질적인 트랙이기도 한 <I'm Yours>는 마치 웨스트라이프를 연상되는 발라드 트랙으로 곱고 찬찬한 매력을 발산한다. <Rusty Halo>는 그리 밝은 인상은 아니지만 앨범 내 가장 마음을 사로잡는 훅을 선보이고 있는 강력 필청 트랙이다.

더 스크립트는 사랑과 이별, 이따금씩 분노에 관한 이야기를 하지만 전체적인 무드는 가볍고 경쾌한 터치로 일관되고 있어 편안하면서 부드러운 매력을 발산하고 있다. 콜드플레이, 더피, 키드락 등 대단한 선배들을 누르고 차트 1위를 정복한 이 신인이 얼마만큼 대형 밴드로 성장할지 앞으로 더 두고 볼 일이지만, 그 기대는 낙관적이다.

앨리샤 키스를 칭찬하자면 정말 밤을 샐 정도로 늘어놔도 모자랄 정도입니다. 이 가수는 정말 다재 다능하죠. 음악은 기본적으로 잘 할 뿐더러 글도 참 잘 써요. 어디서 듣기론 시집과 미스테리 소설도 썼다고 알고 있습니다. 그뿐만 아니라 인터뷰를 들어보면 알겠지만 그녀는 말도 정말 잘합니다. 그야말로 오랜만에 보는 만능 엔터테이너인 것이죠.

이번 내한 공연 때 보신 분들은 아시겠지만 그녀의 재능은 공연에서 특히 잘 드러납니다. 화려한 퍼포먼스는 물론이고요. 카리스마 넘치는 지팡이 쇼나 누워서 피아노 치는 묘기. 그리고 춤은 또 워낙 잘 춰야죠. 춤 실력만 보자면 비욘세나 브리트니가 조금도 부럽지 않을 정도입니다. 그녀는 철저하게 준비된 아티스트라고 해야 할 것 같습니다.

하지만 공연에서의 이런 재능은 일종의 눈 요기이자 쇼에 불과하다고 생각해요. 앨리샤의 진가는 라이브에 있습니다. 축복받은 목소리도 목소리지만 제 생각에 피아노 연주 능력은 전설적인 아티스트들의 그것에 비교할 만해요. 아마 피아노 하면 거의 본좌급인 빌리 조엘이나 엘튼 존 같은 '마스터' 들의 공연을 직접 보신 분들도 앨리샤 키스 공연을 본다면 입이 떡 벌어 질지도 모를 일입니다.
 

[맨인블랙]으로 데뷔

그녀의 데뷔는 지금으로부터 10년 전인 1997년으로 거슬러 올라갑니다. SF영화로 유명한 아시죠? 윌 스미스와 토미 리 존스가 주연한 영화의 '맨인 블랙'오리지널 사운드 트랙 중 'Dah Dee Dah'란 노래를 부른 사실은 아마 그녀의 팬이 아니라면 잘 모르는 사실입니다.

하지만, 앨리샤 키스의 음악 인생은 바로 여기서부터 본격적으로 시작됩니다. 여러 유명 제작자들의 눈에 띄면서 잘 나가는 프로듀서인 클라이브 데이비스를 만났기 때문이죠. 이건 정말 역사적인 순간이에요. 앨리샤에겐 행운이라고 해야 할까요? 보통 팝 역사에서 가장 위대한 순간이라고 한다면 마이클 잭슨이 퀸시 존스를 만난 것을 꼽지만, 아마 앨리샤의 음악 인생만 놓고 본다면 클라이브 데이비스를 만난 건 그 어떤 것보다도 더 없이 중요한 순간이라고 해야 할 것 같습니다.어쨌든 클라이브 데이비스와 작업한 그녀의 데뷔 앨범은 발매하자마자 날개 돋친 듯 팔려나갑니다. 현재 2000년대 팝음악을 주도하고 있는 건 바로 흑인 음악인데, 앨리샤의 등장이 주목 받는 이유는 현재 유행을 따라가기 급급한 것이 아니라 가스펠과 소울 같은 흑인 음악의 기본 소스를 받아들여 재창조 해냈기 때문이죠.

아마 흑인 음악 좋아하시는 분들은 잘 아시겠지만 카니예 웨스트는 소울을 통해 정상의 자리에 섰고, 제이지 역시 소울의 현대적인 해석으로 '뉴욕의 제왕'의 자리에 올랐습니다. 그렇기 때문에 소울은 고전음악이 아니라 여전히 지금 시대에도 유효하다고 생각합니다. 앨리샤 키스야 말로 이 소울 음악을 가장 멋지게 해석해내는 아티스트 임에 분명합니다.
 

고전적인 소울 음악에 음악적 기반을 뒀지만 현대적으로 흑인 음악을 재해석해낸 그녀의 데뷔앨범 'Songs in A Minor' 앨범은 앨리샤에게 그래미를 안긴 것은 물론 최고의 스타 반열에 올려놓습니다. 심지어는 '뉴 아레사 플랭클린' 이라는 어마어마한 별명을 안겨주기도 하죠.

이게 왜 대단한 거냐고요? 혹시 아실지 모르겠지만 이 아티스트는 남자로 보면 '마빈 게이'나 '스티비 원더' 아니 그 이상의 존재일지도 몰라요. 대중들이나 음악 관계자들이나 모두 대놓고 "당신 짱입니다." 한 거나 마찬가지라는 거죠. 하지만 그녀의 행보는 여기서 그치지 않습니다. 많은 사람들은 그녀가 서포모어 징크스로 인해 부진할 거라고 예상하는데 앨리샤 키스는 그런 우려를 완전히 불식시킵니다. 2년 만에 발매된 'The Diary Of Alicia Keys'를 통해 이번에는 더 무시무시한 '소울의 여왕' 이라는 화려한 수식어와 함께 엄지손가락을 치켜세운 거죠.

정말 유명한 곡이지만 이 앨범에 있는 'If i ain't got you'는 그녀를 공식적으로 차세대 디바로 등극하게 해준 노래입니다. 가사를 좀 볼까요?

어떤 사람들은 성공을 위해 살아가고 어떤 사람들은 그저 명예를 위해서만 살아가죠.
그 전에 나는 거기에 있었지만 그런 인생은 지루해요. 무의미한 것으로 가득 차 있어요

소울 음악은 일종의 자기 고백이며 가슴속 깊은 곳에서부터 우러 나오는, 일종의 자신 반성이자 성찰입니다. 앨리샤는 음악을 통해 정말 솔직한 고백을 했습니다. 앨리샤 키스를 정말 오랜만에 만나보는 ‘진퉁’ 아티스트라고 여기는 건 다름아니라 음악을 통해 자기 성찰을 해내기 때문이죠
 

그 동안 노래 잘하는 팝스타는 정말 많았습니다. 하지만 실력 있는 싱어송 라이터는 극히 드물었고, 특히 R&B를 부르는 여가수야 지금도 널렸지만 앨리샤 키스만큼 소울을 잘 이해하고 멋지게 현대적으로 해석할 수 있는 가수는 거의 없습니다. 대중들이 그녀를 아끼는 가장 큰 이유지요.

가장 최근에 발매된 'As I am' 활동 이후 은퇴한다 안 한다 이래서 팬들의 원성을 사기도 했지만 현재 앨리샤는 'As I am' 투어를 하고 있죠. 얼마 전엔 한국에서 공연을 하기도 했습니다. 아무튼 누가 뭐래도 앨리샤 키스는 '소울의 여왕'입니다. 무엇보다도 아무나 흉내를 낸다고 따라 할 수 있는 음악이 아닌 소울을 완벽하게 재현해 낸다는 것에 있어서 개인적으로 굉장히 높게 평가합니다. 그녀는 그 누구도 해낼 수 없는 듣는 이들의 영혼을 움직일 수 있는 진실한 음악을 만들고 연주하며 부릅니다.

아마 앨리샤 키스가 한눈 팔지 않고 앞으로도 자신이 가진 재능을 대중음악을 만드는데 올인 한다면 아마 우리는 또 다른 아레사 프랭클린을 보게 될지도 몰라요. 'If i ain't got you'의 가사대로 정말 명예와 성공을 위해 살지 않고 음악을 통해 그녀가 가진 재능을 계속 보여준다면 말이죠.
 

원래 인기 많았던 어셔는 지난앨범 [Confessions](2004)를 통해 엄청난 성공을 거두며 확고한 슈퍼스타로서의 정점을 찍었다. 최고로 섹시한 백인 팝 아티스트로 저스틴 팀버레이크를 꼽는다면, 흑인 중에서는 한 치의 망설임도 없이 어셔를 꼽을 것이다. 그의 공백기동안 저스틴이 <SexyBack>으로 전 세계의 여자를 후리고 다닐 동안, 그는 결혼도 하고 아이도 생겼으며 그덕에 삶의 안정까지 찾았다. 그런 등 따시고 배부른 와중에 잊지 않고 새 앨범을 들고 찾아왔다.


2집 [My Way](1997) 발표한 이후 이번 5집 [Here I Stand]까지 어셔 레이몬스 4세에게 불패란 없었다. 감칠 맛나게 노래 잘하는 ‘최고’의 R&B 가수이자, 대중에게 누구보다 사랑받는 ‘최고’의 팝 가수이자, 다부진 몸매로 끝내주는 춤사위를 보여주는 ‘최고’의 댄서가 바로 어셔였다. 그를 관통하는 단어로 ‘최고’를 사용하는 것이 전혀 어색하지 않은, 그는 이 시대 최고의 엔터테이너다.

전작들이 2~3년에 한 번 꼴로 발표된데 반해, 이번은 무려 4년 만에 새 앨범을 들고 나왔으니 다소 늦은 편이다. 오랜 공백을 의식한 탓인지 [Here I Stand]라 는 타이틀로 돌아왔지만, 유부남 어셔의 새 앨범은 조급하기보다 오히려 느긋하고 안정적이고 성숙해진 느낌이다. 개인적인 이야기를 충실히 담았다는 이 앨범은 나긋한 알앤비, 세련된 댄스팝 트랙들이 적절하게 조화를 이루며 수록되어 있다. 시간과 노력을 오랫동안 들인 만큼 전체적으로 고르고 안정적이지만, 어셔만의 파워가 느껴졌던 <Yeah!>같은 트랙이 없는 것은 어쩐지 아쉽기도 하다.

하지만 그 대신 차트 1위에 빛나는 첫 싱글곡 <Love in This Club>도 있고, 비욘세와 릴 웨인과 함께한 <Love in This Club, Part II>, 달달한 발라드송 <Moving Mountains>, 윌 아이 엠과 함께한 <What's Your Name>, 제이지와 함께한 <Best Thing>가 있다. 그렇지만 앨범에서 어셔의 진가를 제대로 느낄 수 있는 부분은 <Before I Met You>부터 <Lifetime>(11~15번 트랙)으로 이어지는 부분이다. 미드템포부터 업템포로 이어지는 이 트랙들은 어셔의 성장이 느껴지는 트랙들이다.


4년 전, 댄스머신 어셔라기 보다는 14년차 프로 아티스트인 어셔가 느껴진다. 여전히 자신의 위치에서 확고하게 빛나고 있는 어셔가 돌아왔다.

2005년 위저의 프론트맨 리버스 쿼모가 MTV와의 인터뷰에서 "위저로서 할 만큼 다했으니, 앞으로 위저 앨범은 낼 것 같지 않다"는 의사를 밝혔다. 게다가 일본인 부인과 일본에 집을 마련했다는 소문과 하버드대로 다시 돌아가는 것이 확정되면서 위저의 해체설로 부풀려져 급속도로 퍼져나갔다. 그래서 포털 사이트를 검색해보면 아직도 위저가 해체한 줄 아는 사람들이 있다. 위저가 해체? 웃기지 마라 그래. 이미 신보는 나왔다.

1992년 미국 캘리포니아에서 결성된 위저는 로컬 클럽에서 공연을 하며 시간을 16개월을 보낸 후, 드디어 유니버설뮤직 산하의 레이블과 계약한다. 순조롭지 않았던 무명생활과는 반대로 셀프타이틀 [Weezer: The Blue Album]으로 데뷔하자마자 자국에서만 320만장 이상을 판매하며 인기 밴드 대열에 오르게 된다. 애쉬나 지미 잇 월드 같은 밴드와 종종 비교되며 특유의 통통거리는 멜로디와 매력적인 긴장감이 가득한 음악으로 많은 사랑을 받아왔다.



신작 위저의 셀프타이틀 [Weezer]는 블루, 그린에 잇는 벌써 세 번째 컬러 [The Red Album]이다. 희 한하게도 그간의 앨범들을 살펴보면 [Weezer]라는 이름을 달고 나온 앨범과 그렇지 않은 앨범의 성향이 나뉘는데, 전자가 밝고 경쾌하다면 후자는 약간 어둡고 무거우며 삐딱한 느낌이다. 그러한 탓에 흥행도 전자가 훨씬 앞서고 있다. 이번 앨범도 마찬가지로 위저 특유의 밝고 강아지같은(?) 유머와 색깔 살아있다. 색깔로 따지자면 빨강?!

앨범의 문을 여는 <Troublemaker>는 그들 특유의 박력과 재치가 잘 살아있고 단번에 귀를 사로잡아 버릴만한 트랙이고, 첫 싱글로 낙점된 <Pork and Beans>은 차분하지만 경쾌한 사운드와 헤비한 기타 사운드가 재미있게 대치되는 곡으로 빌모드 모던록 트랙 차트 19위로 데뷔하여 결국 1위에 올랐다. 듣자마자 곧바로 레드 핫 칠리 페퍼스가 떠올려지는 <Everybody Get Dangerous>는 위저답지 않으면서 위저스러운 꽤 흥미로운 트랙이라고 할 수 있다.

90년대를 지배했고 우리가 사랑했던 밴드들이 해체해버리거나 혹은 전과 같지 않은 인기와 음악으로 안타깝고 슬프게 한다. 하지만, 오랜만에 다시 만난 위저가 이렇게 노련하고 멋진 새로운 앨범으로 들고 나온 것이 그저 반갑고 신난다.

콜드플레이가 돌아왔다. 지난 4월 말, 새 싱글 <Violet Hill>의 일주일 간 무료 다운로드 회수 200만 건 이상을 기록하며 그들의 화려한 컴백을 예고했다. 그리고 6월, 대망의 4집 [Viva La Vida]가 발매되자마자 전 세계 36개국 차트 1위 데뷔라는 대단한 기록을 또 세우며, 다운로드가 판을 치는 현재의 세계를 거꾸로 거스르는 유일무이한 슈퍼밴드임을 입증해 주었다.

기네스 팰트로의 남편이 속한 밴드라고 무 릎을 칠 사람이 있는 반면, 대개의 음악 팬들이라면 분명 콜드플레이 프론트맨 크리스 마틴의 부인이 단지 그녀일 뿐이라 정정할 것이다. 영국 출신의 그들은 밀레니엄에 데뷔하여 각 앨범당 천 만장 내외를 팔아치우며, 3집까지 통상 3천 3백만 장을 세일즈한 초 거물밴드가 되었다. 데뷔 초 라디오헤드의 아류라는 오명을 벗고 이제는 오직 콜드플레이라는 고유명사를 만들어 냈다.

지난 [X&Y](2005)의 활동을 끝내자마자 작업을 시작했다는 이 4번째 앨범은 외젠 들라크루와의 그림 [민중을 이끄는 자유의 여신]의 커버위에 프리다 칼로의 그림 제목인 [Viva La Vida(인생 만세)]를 덧그렸다. 더 이상 예전의 콜드플레이가 아님을 스스로 당차게 포부를 밝혔듯이, 이 새 앨범은 그들의 음악을 이전과 다른 한 차원 높은 진화를 시켜주었다. 특히 그 역할에 지대한 영향을 미친 사람은 앰비언트 뮤직의 전설, 록시뮤직의 브라이언 이노일 것이다. 그 덕분에 이전의 콜드플레이에게서는 찾아볼 수 없었던, 좀 더 흥미진진한 트랙들로 가득 차게 되었다. 블러의 <Sing>의 영향을 받은 <Lost>와 콜드플레이표 <Bohemian Rhapsody><Paranoid Android>인 <42>, 따뜻하고 긍정적인 <Strawberry Swing>은 앨범 속 가장 주목해야 할 곡들 중 하나다. 특히 <Viva La Vida>는 유려하고 밝은 인상의 곡으로 색다른 콜드플레이를 한껏 느낄 수 있다.


앨범 속에는 중요한 한 가지 비밀이 숨겨져 있는데, 크리스 마틴의 말에 의하면 자신들의 음악을 듣는 이들에게 자유를 주고 싶어 3가지 방법대로 앨범이 끝나도록 했다고 한다. 어떤 트랙을 고르느냐에 따라 앨범 제목도 두 가지가 된다. 슬픈 앨범으로 느끼고 싶으면 타이틀은 [Death And All His Friends]라 부르고 특정 트랙을 건너뛰고, 좀 더 밝은 앨범으로 듣고 싶으면 들어야 할 곡도 바뀌고 제목도 [Viva La Vida]로 부르면 된다고 한다.